Foscarini

Los personajes que habitan la oscuridad y la calidez de la luz en las historias animadas de Brian Rea

valeria — Fri, 19 Dec 2025 17:59:36 +0000

Ilustrador, animador y storyteller, Brian Rea entra en el universo de What’s in a lamp? transformando las lámparas de Foscarini en presencias vivas, íntimas y silenciosas. Un proyecto en el que la luz y los personajes dialogan a través de la delicadeza, la sorpresa y la imaginación.

Descubre el proyecto What’s in a lamp?

Ilustrador y animador, Brian Rea ha construido a lo largo del tiempo un trabajo centrado en historias cotidianas e íntimas, contadas mediante un lenguaje visual esencial que, sin embargo, transmite una fuerte carga emocional. Su enfoque se mueve con naturalidad entre la ilustración, la animación y la narración, manteniendo un delicado equilibrio entre simplicidad formal y profundidad narrativa. Vive en Suecia, un lugar donde la luz —y su ausencia, especialmente durante los largos meses de invierno— adquiere un significado cultural y emocional muy intenso.

Es precisamente desde esta experiencia que toma forma su contribución a What’s in a lamp?, el proyecto editorial de Foscarini que invita a artistas internacionales a reinterpretar las lámparas de la marca desde su propia mirada. Brian Rea parte de una pregunta tan sencilla como poderosa: ¿y si los personajes que habitan la oscuridad sintieran curiosidad por la luz? ¿Cómo serían? ¿Cómo reaccionarían al encenderse una lámpara de repente? ¿Y qué tipo de relación podría surgir entre ellos?

De estas preguntas nace una serie de breves historias animadas, dedicadas a seis lámparas Foscarini —Binic, Madre, Sunlight of Love, Spokes, Fleur y Eolie— pobladas por personajes tímidos, curiosos y juguetones. Las lámparas se convierten en compañeras y en interlocutoras: presencias que observan, acogen, escuchan y despiertan la imaginación. No hay espectáculo ni ruido; todo sucede en los detalles, en momentos suspendidos, en gestos sutiles.

«De niño tenía mucho miedo a la oscuridad. Encender una luz era un gran alivio: hacía desaparecer a los monstruos y calmaba mi imaginación. Creo que esos miedos influyeron más tarde en la manera en que cuento historias hoy.»

Brian Rea
/ Artista

En un mundo que a menudo grita para captar la atención, Brian Rea elige el camino opuesto: el de la delicadeza, en perfecta sintonía con el carácter de las lámparas Foscarini. Una luz que no impone, sino que acompaña. Una invitación a desacelerar y observar lo que ocurre dentro y alrededor de nosotros cuando un espacio comienza a iluminarse.

Te mueves con gran naturalidad entre ilustración, animación y storytelling. ¿Cómo describirías tu estilo en pocas palabras?

Contenido, pero espero que emocional, con especial atención a los momentos silenciosos.

Tus personajes son frágiles, divertidos, emotivos, profundamente humanos. ¿Qué te llevó a esta intimidad en lugar de grandes relatos o protagonistas heroicos?

Siempre he sido una persona muy emocional (me encanta llorar con una buena película), pero tardé en darme cuenta de que ese también era el tipo de imágenes que quería crear. Llevo quince años ilustrando la columna Modern Love, y al leerla cada semana —una columna sobre la vida, el amor y las relaciones en todas sus formas— creo que he desarrollado una mayor sensibilidad para representar emociones y provocar una respuesta emocional en quien observa.

¿Qué referencias culturales o artísticas fueron más influyentes en tu formación y carrera?

Hubo muchas en distintas etapas, pero Ben Shahn y Saul Steinberg han sido siempre fuentes de inspiración constantes. También cineastas como Roy Andersson y Jacques Tati han tenido una gran influencia en mí, especialmente en el ritmo y en la manera de expresar la alegría, el dolor y el humor a través del silencio y de la condición humana.

¿Puedes contarnos tu proceso creativo, desde la primera idea hasta la ilustración o el vídeo final?

Siempre empieza con la escritura, antes incluso de dibujar: suelo hacer muchas listas. De ahí paso a los bocetos. Dibujo todo a mano, aunque a veces utilizo Photoshop para ajustar el color o hacer pequeñas correcciones. En esta colaboración elegí seis lámparas que tenían algo visualmente inusual o lúdico. Después creé una pequeña historia para cada una, con un personaje central que resaltara algún aspecto de la lámpara. Trabajé con el magnífico animador Bruno Persico, quien dio vida a estas historias.

En tu trabajo sueles combinar ternura y un humor sutil y silencioso. ¿Cómo se convirtió este tono en tu forma de mirar el mundo?

Crecí en una familia grande y ruidosa, llena de grandes narradores. Pero yo era demasiado tímido para contar historias con palabras, así que escuchaba. Con el tiempo entendí que podía compartir mejor mis pequeños momentos a través de imágenes —a menudo en una sola viñeta o en breves animaciones— y esa se convirtió en mi manera de conectar con el mundo.

Has dicho que algunas historias llegan casi completamente formadas, mientras que otras se resisten y se desarrollan lentamente. ¿Cómo sabes cuándo una historia está terminada?

Cuando ya no percibo el esfuerzo. Cuando el dibujo o la animación se sienten fluidos y naturales, y el ritmo es el adecuado. A veces, si sonrío al mirarlo, también es una señal.

En esta serie para Foscarini, las lámparas parecen presencias vivas: acompañan, escuchan, reconfortan, despiertan la imaginación. ¿Cómo construiste esta relación entre luz y personaje?

Pasé mucho tiempo pensando en mi relación personal con la luz. De niño tenía mucho miedo a la oscuridad, y encender una luz era un gran alivio. Ahora vivo en Suecia, donde los inviernos son muy oscuros, y escucho a mis hijos expresar miedos similares a los que yo tenía. Pero ¿y si los personajes que viven en la oscuridad también sintieran curiosidad por la luz? ¿Cómo serían? ¿Cómo responderían a estas lámparas? Esta serie intenta expresar esa sorpresa, esa alegría y esa conexión que muchos compartimos cuando se enciende la calidez de una lámpara.

¿Hubo alguna lámpara o vídeo que te sorprendiera especialmente o revelara una personalidad inesperada?

La lámpara Binic fue la más cercana a mi experiencia personal: en ella veo a mis hijos sentados, observando con curiosidad. Pero me encanta la luz del sol —especialmente durante los inviernos aquí—, así que Sunlight of Love fue especialmente divertida de trabajar. A mis hijos, en cambio, les encantó la animación de Eolie, probablemente porque el personaje hace algo que no debería hacer.

Uno de los aspectos más bellos de esta serie es que nada es ruidoso ni espectacular. La emoción vive en pequeños gestos, pausas y miradas. ¿Qué descubriste trabajando a una escala tan íntima?

Creo mucho en el poder silencioso de los pequeños momentos y en tratar de capturarlos en una imagen. El mundo puede ser una experiencia muy intensa y ruidosa, todo parece gritar para captar nuestra atención. Estas lámparas no lo hacen, y eso es precisamente lo que las hace especiales. Era importante que las animaciones reflejaran ese mismo tono.

¿Cuál es tu vídeo favorito de la serie y por qué?

Como mencioné antes, Sunlight of Love. Solo el nombre ya me hace sonreír, al igual que la preciosa animación que creó Bruno.

Para terminar: ¿qué significa para ti la creatividad?

Encontrar aquello que amas más que nada en el mundo y convertirlo, sin compromisos, en el trabajo de tu vida cada día.

Descubre la serie completa en el canal de Instagram @foscarinilamps y explora todas las obras del proyecto What’s in a lamp?, donde artistas internacionales son invitados a interpretar la luz y las lámparas de Foscarini.

Visita @foscarinilamps en Instagram

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Fotografiar la imaginación

valeria — Thu, 04 Dec 2025 14:53:36 +0000

La inteligencia artificial y la sensibilidad humana se unen en el proyecto de Massimo Gardone para Foscarini: una narrativa visual que combina la sensibilidad de un artista con la capacidad generativa de la inteligencia artificial, para ofrecer una nueva manera de contar la luz.

Siempre en la búsqueda de lenguajes originales e inéditos, no solo ligados al producto, sino también a su narrativa, Foscarini explora un nuevo horizonte visual junto a Massimo Gardone, fotógrafo y colaborador histórico de la marca. Un proyecto que investiga las potencialidades de la inteligencia artificial como herramienta de expresión, siempre guiada por una mano humana, sensible y consciente. Una narrativa en la que la tecnología es un instrumento que amplifica la mirada humana, en entornos generados por la IA que acogen lámparas fotografiadas en la realidad.

La investigación, desarrollada por Foscarini junto a Gardone y su estudio Azimut, tuvo un objetivo tan simple como ambicioso: enseñar a la computadora a “ver” como el fotógrafo, devolviendo esa mirada suspendida y delicada que caracteriza el trabajo que Gardone lleva años realizando con el mundo de las flores, sus sujetos preferidos –junto al mar– en sus exploraciones personales. Miles de imágenes florales inundaron la memoria digital de la máquina, en un proceso largo y metódico, en el que cada matiz, detalle del pétalo y vibración cromática era absorbido y recodificado.

Con este nuevo proyecto fotográfico, la misma sensibilidad se ha trasladado a los espacios, en un fascinante desplazamiento de escala de lo pequeño a lo grande, de lo natural a lo imaginado, del detalle frágil y natural de la flor a la creación de paisajes domésticos que acogen las lámparas Foscarini. Punto central del recorrido son las luces de Foscarini, que permanecen reales, fotografiadas para preservar su autenticidad y habitar espacios que se sitúan en el límite entre la realidad y la sugestión. El resultado no es una réplica de lo real, sino un acto de traducción poética.

«Mi investigación visual nace siempre de la curiosidad, del deseo de dejarme influenciar. He aprendido a moverme entre lo analógico y lo digital como dentro de un diálogo continuo; dos lenguajes diferentes, que se rozan y se complementan, abriendo cada vez nuevas posibilidades.»

Massimo Gardone
/ Fotógrafo

La experimentación tecnológica es un terreno compartido por Gardone y Foscarini: para ambos, la tecnología no es un fin en sí misma, sino un medio para dar forma a las ideas. En el trabajo de Gardone, este enfoque se traduce en un diálogo entre gesto analógico y potencial digital, donde la inteligencia artificial es guiada, instruida y calibrada para amplificar la mirada humana, sin sustituirla. El fotógrafo incorpora sensibilidad e intuición en el proceso tecnológico, ofreciendo un relato inédito de la luz Foscarini: un equilibrio entre materia e imaginación, realidad y visión.

«Con mi mirada he atravesado épocas y tecnologías: los primeros experimentos fueron con el gran formato Polaroid 20×25, un film que reproducía la impalpabilidad de las flores; con lo digital, a menudo busqué el resultado inverso: quería adentrarme en la materialidad del mundo floral, pero inmerso en un universo evocador y suspendido. La tecnología siempre me ha fascinado. Comencé con un Amiga 1000 de Commodore: pasaba horas jugando con la luz del tubo de rayos catódicos, colocaba los filmes fotográficos sobre la pantalla y los volvía a fotografiar con la Polaroid, interviniendo en los colores del monitor. Gestos que hoy parecen prehistóricos, y que me hacen pensar en Wim Wenders, que en “Hasta el fin del mundo” imagina un dispositivo que captura los sueños de la actividad cerebral y los transforma en imágenes. Esta visión anticipó con décadas las actuales investigaciones sobre la IA.»

Massimo Gardone
/ Fotógrafo

«En Foscarini, la experimentación nunca es un fin en sí misma, sino una forma de abrir nuevos horizontes. Con este proyecto, junto a Massimo Gardone, exploramos las potencialidades de la IA como herramienta de creatividad y narrativa, sin renunciar nunca a la sensibilidad humana que forma parte de nuestra identidad. Es un enfoque que nos ofrece nuevas posibilidades de comunicación y nos permite dialogar con nuestro público de maneras siempre originales y distintivas.»

Carlo Urbinati
/Fundador y presidente de Foscarini

Un nuevo capítulo de la vocación de Foscarini hacia la experimentación y la exploración de herramientas y lenguajes capaces de generar nuevas oportunidades. Una nueva forma de afirmar la identidad de la marca, que vive en la luz, pero también en el pensamiento y la cultura visual.

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Diálogos de luz – Jorge Arévalo ilustra la relación entre la luz y quienes le dan forma

valeria — Thu, 30 Oct 2025 16:21:15 +0000

Para What’s in a Lamp?, el ilustrador y director de arte español Jorge Arévalo retrata las lámparas y a los diseñadores de Foscarini con su sello inconfundible: líneas esenciales, colores potentes y elegancia gráfica. Un diálogo suspendido entre el objeto de diseño y el autor que lo imagina.

Ilustrador de prestigio internacional, Jorge Arévalo vive y trabaja en Madrid, donde alterna la dirección creativa con el dibujo. Tras sus inicios en agencia, llevó su trazo distintivo a publicaciones como The New Yorker, Vanity Fair y Rolling Stone. Sus figuras, sintéticas y vibrantes, se construyen con pocos trazos, pero encierran ritmo, elegancia y carácter. “Intento definir a un personaje con la menor cantidad de información posible”, explica, “transformando el minimalismo en líneas fluidas que aporten ritmo y estilo.”

En su trabajo para What’s in a Lamp? — el proyecto editorial con el que Foscarini invita a artistas y creativos de distintas disciplinas — ilustradores, fotógrafos, escultores, animadores — a reinterpretar sus lámparas desde una perspectiva personal y libre — Arévalo propone un diálogo entre los diseñadores y las lámparas que han creado. Por un lado, los grandes maestros — Rodolfo Dordoni con Lumiere, Ferruccio Laviani con Orbital, Patricia Urquiola y Eliana Gerotto con Caboche, Marc Sadler con Twiggy — figuras que han dado forma a la historia del diseño y a iconos del catálogo de Foscarini. Por otro, dos voces emergentes — Felicia Arvid con Pli y Francesca Lanzavecchia con Allumette — aportan una mirada nueva, vital y experimental que abre el relato hacia el futuro.

Tras el proyecto Chairs & Architects del mismo autor, aquí la mirada se eleva: la luz se convierte en protagonista y las lámparas en símbolos de aspiración y deseo, presencias luminosas que se reflejan en sus diseñadores.

“Las lámparas me fascinan; la luz de una lámpara en una casa nos define más que una silla. En esta serie todo es más etéreo: el objeto de deseo está arriba, casi al alcance de las yemas de los dedos.”

Jorge Arévalo
/ Artista

Cada ilustración combina rigor gráfico y sensibilidad narrativa. Los colores — naranjas, magentas y turquesas, intensificados por el negro — aportan luminosidad y fuerza visual, mientras la relación entre lámpara y diseñador mantiene siempre un tono humano e íntimo. El resultado es una galería de retratos esenciales y dinámicos, donde el trazo se convierte en luz y la luz en relato.

¿De dónde nace tu interés por el dibujo y cuándo te diste cuenta de que podía convertirse en tu camino profesional?

Siempre he dibujado. De niño, si no jugaba al fútbol, estaba dibujando. Pero fue al trabajar en una agencia como director de arte cuando empecé a incorporar la ilustración a mis proyectos de diseño gráfico. A partir de ahí nació un lenguaje, un estilo que pronto empezó a aparecer en revistas y periódicos.

Te defines como “ilustrador” más que como “artista”. ¿Por qué es tan importante para ti esta distinción?

Ilustrar es un arte, pero no es Arte. Soy ilustrador. El ilustrador apunta su flecha a una diana y debe acertar; el artista coloca la diana donde cae la flecha. Los ilustradores trabajamos para una marca con un briefing. Tener esto claro me permite trabajar con más profesionalidad y, al mismo tiempo, me da plena libertad en mis proyectos personales.

¿Existe un hilo común entre Jorge el director creativo y Jorge el ilustrador, o prefieres mantener separadas estas dos facetas?

Son inseparables. Una alimenta a la otra, la enriquece y la agranda. La ilustración solo existe en un contexto gráfico: un dibujo sobre papel, por sí solo, es solo un dibujo, no una ilustración. Hay que visualizar el contexto, la atmósfera y la historia. Creo que eso es lo que realmente define mi estilo.

¿Cómo describirías, en pocas palabras, tu estilo característico?

Procuro llegar al personaje con la menor cantidad de información posible, pero quiero que ese minimalismo se convierta en líneas fluidas que aporten ritmo y elegancia al trabajo.

¿Cuáles han sido tus principales referentes culturales o artísticos?

La ilustración de los años sesenta y el cine hasta los ochenta. Siempre miro a los clásicos: Gruau, Sasek, Hirschfeld, Hockney; y más atrás: Mucha, Lautrec, Schiele; y aún más lejos: Velázquez, Goya, Caravaggio…

¿Puedes contarnos tu proceso creativo, desde la primera idea hasta la ilustración final?

La clave es no partir nunca de una hoja en blanco: siempre empiezo con un color de fondo. Al trabajar en digital, puedo mover elementos con mentalidad de diseñador, como componiendo un collage de formas y proporciones.

Después de Chairs & Architects te acercaste a las lámparas icónicas de Foscarini y a sus diseñadores. ¿Cuál fue el mayor reto —o la mayor atracción— en este nuevo paralelismo?

Las lámparas me fascinan; la luz de una lámpara en una casa nos define más que una silla. En Chairs & Architects los protagonistas tocaban sus sillas y miraban hacia abajo; en What’s in a Lamp? todo es más etéreo: el objeto de deseo está arriba, casi inalcanzable, y la luz parece algo que se puede rozar con la yema de los dedos.

¿Hasta qué punto buscaste coherencia en toda la serie y hasta qué punto una identidad única para cada lámpara?

Intenté mantener una coherencia de proporciones entre el diseñador y la lámpara, pero quería que todo siguiera siendo humano. Los diseñadores debían sentirse cómodos junto a su creación — ese fue el reto.

El color desempeña un papel central en tu trabajo. ¿Cómo eliges una paleta: más como herramienta estética o como lenguaje de significado?

A veces una serie necesita una paleta coherente para que el concepto predomine; otras veces es el personaje o el momento quien dicta los colores. En mi trabajo, el negro aporta fuerza y solidez y hace que los demás colores se potencien. Predominan los naranjas, magentas y turquesas.

¿Y cómo abordaste específicamente el color en esta serie para What’s in a Lamp??

Quería colores potentes, que aportaran luz. En este caso prioricé el objeto por encima del diseñador: la lámpara debía brillar.

Esta serie reúne a cuatro diseñadores consolidados y a dos voces emergentes. ¿Fue más difícil reinterpretar diseños icónicos que todo el mundo conoce, o visualizar propuestas nuevas y aún en desarrollo?

Los diseños icónicos ya tienen su historia y su pasado; es más fácil dar en el blanco. Los proyectos nuevos están creciendo, cambian y todavía están escribiendo su historia — por eso improviso más.

Mirando al futuro, ¿hay otro tipo de objeto de diseño que te gustaría reinterpretar con este enfoque?

Coches.

Por último: ¿qué significa para ti la creatividad?

Que el espectador disfrute de la imagen como si mirara por una ventana de la Casa Malaparte o por la mirilla de un club de jazz en Harlem.

Descubre la serie completa de Jorge Arévalo para What’s in a Lamp? – el proyecto editorial a través del cual Foscarini invita a artistas y creativos a reinterpretar las lámparas desde una perspectiva personal y libre – en Instagram @foscarinilamps.

What’s in a Lamp? en Instagram

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Foscarini en el Salone del Mobile.Milano en Riad

valeria — Fri, 24 Oct 2025 12:28:03 +0000

Del 26 al 28 de noviembre de 2025, Foscarini participa en el debut del Salone del Mobile.Milano en Riad, llevando cuatro piezas emblemáticas de su colección como expresión del diseño italiano en el corazón de Arabia Saudí.

El evento será un punto de encuentro entre cultura, innovación y negocio, donde el Made in Italy dialoga con el ecosistema del diseño saudí.

La instalación, concebida por el estudio de arquitectura Giò Forma, se presenta como un paisaje de andamios modulares envueltos en una tela roja semitransparente: un hilo visual que conecta lugares y personas, símbolo de energía y futuro. Entre sus estructuras, los productos de más de 35 empresas italianas componen un recorrido que une artesanía, audacia y armonía para ofrecer nuevas perspectivas del diseño contemporáneo.

Foscarini presenta Spokes, Buds y Caboche Plus, tres lámparas que reflejan su enfoque libre del diseño: objetos luminosos que, mediante materiales y lenguajes distintos, interpretan la luz como experiencia, dotando a los espacios de emoción y carácter, tanto encendidas como apagadas.

En la Business Lounge, diseñada por Piero Lissoni, Twiggy ilumina con su trazo discreto y funcional los espacios destinados a los encuentros entre arquitectos y profesionales, generando un ambiente acogedor e informal.

Red in Progress – Salone del Mobile.Milano meets Riyadh
King Abdullah Financial District, Riyadh
26–28 de noviembre de 2025

BUDS

CABOCHE PLUS

SPOKES

TWIGGY

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Tres proyectos de Foscarini en el ADI Design Index 2025

valeria — Thu, 16 Oct 2025 14:56:35 +0000

Tres proyectos —una lámpara, una investigación creativa y un libro— expresan la identidad plural de Foscarini, seleccionada para el ADI Design Index 2025. Un reconocimiento que celebra la libertad creativa, la curiosidad cultural y la constante búsqueda de la marca por la luz como forma de exploración y reflexión.

Tras las numerosas selecciones que, a lo largo de los años, han llevado a dos premios Compasso d’Oro —por Mite de Marc Sadler (2001) y por el proyecto editorial Inventario (2014)—, el Observatorio Permanente del Diseño de la ADI confirma una vez más su interés por Foscarini, incluyendo tres proyectos en el ADI Design Index 2025: la lámpara de suspensión PLI de Felicia Arvid; el proyecto cultural HABITUS, fruto de la colaboración con Andrea Anastasio y los creativos de Amal; y la monografía “Some Think It’s Just About Shedding Light. Foscarini 1983/2023”, publicada por Corraini Edizioni con motivo del cuadragésimo aniversario de la empresa.

Tres caminos distintos —un producto, una investigación y una obra editorial— cuentan juntos la identidad diversa de Foscarini, basada en la innovación, la libertad creativa y la reflexión crítica.

Presentado a la prensa el 15 de octubre, el ADI Design Index 2025 se articula en un anuario, un sitio web y una serie de exposiciones.

Descubre PLI

PLI
La poesía de la sencillez del diseño

Diseñada por la joven creadora danesa Felicia Arvid, PLI es una lámpara colgante donde la luz se convierte en estructura.
Un gesto esencial y poético: una hoja delgada atravesada por la fuente luminosa que se transforma en pliegues y drapeados tridimensionales.
PLI combina delicadeza formal y exploración tecnológica, marcando la primera incursión de Arvid en el diseño de iluminación y confirmando la capacidad de Foscarini para descubrir y apoyar nuevos talentos creativos.

Descubre HABITUS

HABITUS
La libertad de la investigación

Presentado durante la Milan Design Week 2024, HABITUS es un proyecto de investigación que se mueve en el espacio abierto entre la idea y el producto. Un recorrido en el que Foscarini se enfrenta libremente a la creatividad, explorando nuevas direcciones en el mundo de la luz, sin los límites de la producción en serie.

Nacido de la colaboración con el artista y diseñador Andrea Anastasio y con Arun Jothi y Natalie Frost, los creativos del estudio Amal —activo entre India y Roma y especializado en bordado y alta costura—, HABITUS explora el encuentro entre luz, bordado y artesanía. Cuentas, lentejuelas y tiras de PET cortadas con láser se convierten en materia viva que dialoga con la luz, generando texturas cambiantes e irrepetibles. Ninguna de estas obras fue concebida con una aplicación industrial en mente, sino como una exploración abierta: un espacio para la reflexión y la imaginación.
Porque, a veces, es precisamente a través de la investigación libre de limitaciones como surgen nuevas direcciones.
Para una empresa, dedicarse a reflexionar, tejer conexiones e incursionar en mundos creativos aparentemente lejanos no es solo un privilegio, sino también una elección valiente —como ha señalado Carlo Urbinati.

Descubre el libro

Monografía.
“Some Think It’s Just About Shedding Light. Foscarini 1983/2023”

Publicada por Corraini Edizioni con diseño gráfico de Artemio Croatto / Designwork, la obra celebra los primeros cuarenta años de la empresa, una historia basada desde sus orígenes en la investigación, la innovación y la libertad creativa.

Organizada en seis capítulos temáticos, el libro incluye una selección crítica de lámparas, un registro completo de toda la producción de Foscarini y contribuciones de académicos, economistas, críticos y diseñadores.
En conjunto, delinean el perfil de una marca que ha sabido unir tradición y experimentación, industria y artesanía, cultura y empresa.

Una obra editorial que refleja la esencia de Foscarini: independiente, ecléctica e innovadora.

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De la oscuridad a la luz: Beppe Conti para What’s in a Lamp?

valeria — Thu, 18 Sep 2025 14:13:20 +0000

Para el proyecto What’s in a Lamp?, el artista italiano Beppe Conti no considera las lámparas simplemente como fuentes de luz, sino como instrumentos que revelan lo invisible. En sus collages digitales, fragmentos y capas ocultas emergen de la oscuridad, moldeados por la luz de las lámparas Foscarini en espacios oníricos.

Descubre más sobre “What’s in a Lamp?”

Beppe Conti es ilustrador y diseñador visual de Turín, especializado en collage digital. Inspirado por el surrealismo y el inconsciente, fusiona en sus obras elementos orgánicos, visiones abstractas y referencias a diferentes épocas y culturas.
Su técnica es un ingenioso y creativo remix de elementos, un territorio de libertad donde las contradicciones y los contrastes se acogen y se transforman en significado, lo que distingue su trabajo de otros lenguajes creativos que exigen coherencia. A lo largo de los años, ha contribuido en proyectos editoriales, de branding, exposiciones y colaboraciones multimedia, creando imágenes que provocan asombro y misterio, invitando a los espectadores a explorar capas de significado más profundas.

Para What’s in a Lamp?, Conti exploró la dualidad de luz y sombra. La oscuridad no es vacío, sino un campo de potencial: patrones, degradados, arquitecturas oníricas y fragmentos de la realidad solo emergen a través de la luz. Inspirado en la estética psicodélica de los años 60 y 70, trata el color como una fuerza perceptiva que estructura la narrativa visual y amplifica la resonancia emocional de la lámpara.

«Quería que las lámparas actuaran como dispositivos de visión. De la oscuridad aparecen patrones y fragmentos inesperados, y la luz se convierte en una fuerza creativa que abre nuevos mundos.»

Beppe Conti
/ artista

Cada lámpara se convierte en una historia propia. Aplomb aparece como una pieza arquitectónica suspendida en el vacío, donde la luz es un principio constructivo: moldea el espacio, talla geometrías y genera arquitectura con ecos brutalistas. Dolmen se erige como un monolito ancestral, un vestigio del espacio que conecta la memoria antigua con la imaginación futurista. Binic, cuyo diseño se inspira en el mundo náutico, se convierte en un micro faro psicodélico que emerge de la oscuridad como señal visual, guiando y orientando. Otras lámparas, como Gregg, Nile y Tobia, también encuentran nuevas identidades en el universo surrealista de Conti.

Al combinar elementos de diferentes épocas, culturas y materiales, Conti construye imágenes que viven en la tensión entre construcción y deconstrucción, realidad e imaginación. En su serie para Foscarini, las lámparas dejan de ser meros objetos y se convierten en metáforas de transformación —puentes entre luz y sombra, tierra y cosmos, presente y sueño.

Sigue Foscarini en Instagram para descubrir el proyecto completo What’s in a Lamp? y leer la entrevista completa con Beppe Conti.

¿Puede hablarnos de su trayectoria artística? ¿Hubo un momento clave en el que se dio cuenta de que el arte y la ilustración serían su camino?
Mi trayectoria artística comenzó con estudios de diseño gráfico, que me dieron las herramientas para pensar en las imágenes como un lenguaje. Con el tiempo, mi práctica evolucionó en capas, al igual que los collages que creo. El punto de inflexión llegó cuando comprendí que mis composiciones no solo eran visualmente atractivas, sino también una forma de pensar a través de las imágenes. Fue entonces cuando entendí que el arte y la ilustración podían convertirse en mi camino profesional.

El collage digital es su técnica distintiva: ¿cómo llegó a esta forma de expresión y qué le permite hacer que otros medios no permiten?
Llegué a él casi por necesidad. Necesitaba una forma de combinar diferentes épocas, estilos y materiales sin estar limitado a un único enfoque. Para mí, el collage digital es un territorio de libertad: acoge las contradicciones y las transforma en significado. Otros medios creativos exigen consistencia, pero el collage prospera con los contrastes y las combinaciones inesperadas, y eso es lo que lo hace único.

En sus obras, mezcla referencias de diferentes épocas y lugares: ¿se apoya en un archivo visual personal o en el azar y el descubrimiento?
Uso ambos. A lo largo de los años, he construido un archivo de imágenes, libros, revistas, fotografías y elementos distintivos que forman una base sólida. Pero también dejo espacio para el azar: una imagen descubierta por casualidad puede convertirse en la chispa de toda una composición. El collage funciona a través de este diálogo constante entre archivo y descubrimiento inesperado.

¿Qué importancia tienen la intuición y el azar en comparación con el control en su proceso creativo?
La intuición y el azar aportan frescura y movimiento, mientras que el control da forma a la obra final. Siempre trabajo en un equilibrio entre dejarme llevar y la disciplina: escucho las imágenes, luego selecciono, elimino y reordeno hasta encontrar la tensión adecuada.

¿Cómo sabe cuándo una imagen está “terminada”?
Es un momento intuitivo, no regido por reglas, sino por un sentido de equilibrio. Es como si la imagen, en cierto momento, dejara de pedir intervención y comenzara a respirar por sí misma. Entonces sé que está completa.

Los collages que creó para el proyecto What’s in a Lamp? parecen oníricos y misteriosos, pero también tienen una dimensión narrativa. ¿Qué historia quiso contar al combinar su imaginación con las lámparas Foscarini?
Imaginé la lámpara no como un simple objeto que ilumina, sino como un dispositivo que genera visiones. De la oscuridad emergen patrones, degradados y fragmentos de realidad que no existirían sin su luz. La estética se inspira fuertemente en el diseño gráfico y la psicodelia de los años 70, donde el color se convierte en una experiencia perceptiva y vibracional: un lenguaje que expresa la luz Foscarini como una fuerza creativa capaz de abrir nuevos mundos visuales.

Cada lámpara expresa una identidad diferente, siempre vinculada al tema de la luz y la oscuridad. ¿Qué significa para usted explorar este contraste?
La luz y la oscuridad son polos opuestos pero inseparables. En el collage, me permiten construir y deconstruir una imagen, pero sobre todo hablan de la percepción: solo vemos lo que emerge de un fondo oscuro. Con Foscarini trabajé en esta dialéctica, convirtiendo la oscuridad en una materia viva de la que surgen colores y visiones.

¿Qué lámpara le inspiró más y por qué?
Dolmen fue particularmente inspiradora para mí debido a su carácter monumental y ancestral. Su forma me permitió trabajar con imágenes arquetípicas, casi rituales, donde la luz se convierte en un llamado a energías primitivas, interpretadas a través de un lente contemporáneo.

¿Ve el collage más como un proceso de construcción o deconstrucción?
Es ambos. Creo algo nuevo al deconstruir lo que ya existe. El collage vive en la tensión entre memoria e invención; tomo lo familiar y lo transformo en algo inesperado.

¿Cómo coexisten la realidad y la imaginación en su trabajo?
Están entrelazadas. La realidad proporciona la materia prima —fotografías, texturas, colores, arquitecturas— mientras que la imaginación las recombina en nuevas configuraciones. El collage se convierte así en una realidad alternativa, formada por fragmentos reconocibles organizados en una narrativa casi onírica o surrealista.

Dentro de este equilibrio, ¿qué papel juegan el asombro y la sorpresa?
El asombro me impulsa a buscar, cortar y recopilar imágenes. La sorpresa aparece cuando dos elementos distantes se conectan inesperadamente; es un momento que no puedo controlar por completo, y es precisamente allí donde la obra cobra vida.

Para usted, ¿qué es la creatividad?
La creatividad es la capacidad de ver lo que ya existe como si fuera nuevo. Es un acto de cambio de perspectiva, de invertir conexiones habituales y de poner en diálogo imágenes, tiempos y recuerdos.

Descubra más sobre la colaboración con Beppe Conti y la serie completa en el canal de Instagram @foscarinilamps, y explore todas las obras del proyecto What’s in a Lamp?, donde artistas internacionales son invitados a interpretar la luz y las lámparas de Foscarini.

Visite @foscarinilamps en Instagram

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La forma de una idea: Peter Grundy interpreta Foscarini para What’s in a Lamp?

valeria — Thu, 07 Aug 2025 09:12:19 +0000

Con su estilo inconfundible, hecho de formas esenciales y colores decididos, Peter Grundy transforma las lámparas de Foscarini en arquetipos visuales de los conceptos y valores que definen la identidad de la marca, en el marco del proyecto editorial What’s in a Lamp?. Un ejercicio de síntesis y visión que invita a mirar la luz no solo como fuente, sino como significado.

Descubre más sobre What’s in a Lamp?

Peter Grundy ha construido una carrera basada en la simplicidad y es uno de los pioneros de la infografía conceptual. Desde la fundación del estudio Grundy & Northedge en 1980 hasta sus proyectos más recientes firmados como Grundini, ha elegido trabajar más con la información que con la publicidad, dedicándose a traducir conceptos complejos en imágenes claras, accesibles y universales. Su lenguaje gráfico es geométrico y narrativo, caracterizado por el equilibrio y la reducción: un código visual reconocible y distintivo, que pone la idea antes que la imagen.

Para What’s in a Lamp?, Grundy eligió contar la historia de Foscarini a través de seis lámparas, seis valores, seis visiones:
Lumiere habla de internacionalidad, apertura y de la capacidad del diseño de Foscarini para dialogar con culturas diferentes, cada una con su forma de vivir la luz; Chouchin explora el significado del hogar como refugio y espacio personal; Buds encarna el espíritu de la vanguardia y el impulso hacia el futuro; Binic celebra la libertad creativa; Satellight habla de la personalidad de los objetos luminosos y de cómo se conectan emocionalmente con las personas; Kurage rinde homenaje a la artesanía, a la armonía entre mente, mano y materia.

Seis ilustraciones, cada una contenida en la silueta de una lámpara, animadas por un sistema de símbolos e iconos que traducen visualmente cada valor fundamental. Cada imagen de este ciclo narrativo silencioso es un sistema denso, elocuente y autosuficiente.

«Mi objetivo era contar una historia con cada ilustración que reflejara la filosofía de Foscarini. Las lámparas están dibujadas de forma muy sencilla, llenas de iconografía que representa los valores y genera energía visual.»

PETER GRUNDY
/ ARTISTA

Hay algo profundamente filosófico en la manera en que Peter Grundy aborda la forma. Sus imágenes, reducidas a lo esencial, son como ideogramas contemporáneos. En una época saturada de estímulos visuales, Grundy nos recuerda que restar puede ser más radical que sumar. Y que una lámpara no es solo un objeto que ilumina: puede ser una metáfora. De identidad, de hogar, de libertad. De visión.

Sigue a Foscarini en Instagram para descubrir el proyecto completo What’s in a Lamp? y lee la entrevista completa para profundizar en la visión y el enfoque artístico de Peter Grundy.

¿Puedes contarnos brevemente tu trayectoria? ¿Cómo llegaste a hacer lo que haces hoy?
En 1980, Tilly Northedge y yo fundamos un estudio para explorar el diseño de información de una manera nueva, imaginativa y personal. Primero, porque nadie más lo hacía. Segundo, porque dos años antes, en el Royal College of Art, habíamos desarrollado un interés por un tipo de diseño más orientado a explicar que a vender.

Durante los siguientes 26 años, como Grundy & Northedge, redefinimos lo que hoy se conoce como infografía.

Como escribió una vez la revista Graphis: «En el mundo del diseño, la comunicación de información nunca ha tenido el glamour de otras disciplinas. Diseñar un cartel puede convertir al diseñador en artista; crear la identidad de una multinacional lo convierte en estratega. ¿Pero quién diseña los mapas de urbanizaciones o las instrucciones para anudar una pajarita?» Éramos nosotros: Peter Grundy y Tilly Northedge.

En 2006, fundé Grundini para centrarme en proyectos más pequeños y dirigidos creativamente, a menudo en colaboración con otros diseñadores y agencias. Angela Wilkinson, excompañera en Scenario, escribió: «Hoy Peter Grundy, alias Grundini, aborda el caos moderno diseñando arquitecturas simples, compartidas y accesibles para el futuro.»

¿Qué personas clave –diseñadores, artistas, ilustradores– influyeron en tu formación visual y creativa?
Benno Zehnder, quien me enseñó el estilo suizo en la Bath Academy of Art (1973–1976).
Lou Klien, quien me introdujo al espíritu americano cuando estudié en el Royal College of Art (1976–1979).

A menudo has dicho que tu estilo nace de la necesidad y la simplicidad. ¿Qué significa para ti “economía visual” y qué papel juega hoy en tu trabajo?
Creamos un estilo de dibujo en 1980 para expresar nuestras ideas, basado en los métodos geométricos que habíamos aprendido al diseñar símbolos, marcas y letras. Con los años este estilo ha evolucionado, pero el principio siempre ha sido el mismo: comunicar ideas de manera simple e internacional, sin necesidad de palabras.

Háblanos del concepto detrás de tu serie para What’s in a Lamp?. ¿Qué historia querías contar a partir de las siluetas de las lámparas icónicas de Foscarini?
Pensé que sería interesante contar una historia específica para cada lámpara que reflejara los valores de Foscarini. Los temas que elegimos son: Internacional, Hogar, Vanguardia, Artesanía, Futuro y Personas.

¿Cuál de los valores fue el más difícil de traducir a un lenguaje visual?
Vanguardia.

Descubre Buds

¿Y cuál resonó más con tu propia visión, el que más te inspiró?
Vanguardia. ¿Qué puede ser más emocionante que una visión del futuro? Mi idea fue una lámpara como un sistema solar, con la Tierra en el centro y el futuro orbitando a su alrededor.

Trabajas con imágenes estáticas, pero siempre parecen contar una historia. ¿Qué hace fuerte a una narrativa visual sin movimiento ni palabras?
El núcleo de cualquier diseño es una idea. La idea viene antes que cualquier imagen, símbolo o animación. Hace años hice un diagrama para explicar cómo trabajo: mostraba un iceberg, cuya punta era la imagen visible, pero la parte mucho mayor bajo el agua –la que no se ve– es la idea.

¿Cómo eliges los símbolos o iconos cuando traduces ideas complejas en imágenes? ¿Sigues un método definido o te guías más por el instinto?
Invento iconos y símbolos que cuenten una historia de forma efectiva y elegante, como si fuera un lenguaje escrito.

¿Cómo trabajas con el color? ¿Lo usas principalmente por estética o como lenguaje con significado?
El color tiene dos funciones: primero, sirve como guía visual; segundo, embellece. Elijo los colores de forma instintiva. A menudo descubro que combinaciones que uno pensaría que no funcionan –como rosa y naranja, o marrón y gris– en realidad se ven muy bien si se usan en las proporciones adecuadas. Es algo que aprendí trabajando con arquitectos.

Las infografías nacieron para simplificar. ¿Aún las ves como una herramienta funcional o más como una forma de arte?
Cuando empecé en 1980, nadie hacía infografía de forma creativa. En el Royal College of Art, a finales de los años 70, vimos una oportunidad. En esos años, la mayoría de diseñadores e ilustradores trabajaban en publicidad, branding o packaging –los sectores más glamurosos del diseño. Cuando Tilly Northedge y yo fundamos Grundy & Northedge, nuestro objetivo fue aplicar la misma creatividad de la publicidad o la identidad corporativa a la información. Lo logramos usando arte e ideas para contar historias o explicar conceptos complejos.

¿Cuál es el consejo más útil que has recibido en tu carrera? ¿Y uno que realmente te hizo reflexionar?
Solo hay una cosa peor que hacerlo mal: hacerlo mediocremente.

¿Qué significa para ti la creatividad?
Libertad para expresar la individualidad.

Sigue a @foscarinilamps en Instagram para descubrir la serie completa What’s in a Lamp? y explorar todas las obras en las que artistas internacionales están invitados a interpretar la luz y las lámparas de Foscarini.

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Foscarini en 3daysofdesign: luz, arte e inspiración

valeria — Thu, 29 May 2025 15:18:14 +0000

Del 18 al 20 de junio, Foscarini te espera en 3daysofdesign en Copenhague, en el sugestivo marco de la Alice Folker Gallery (Esplanaden 14). Una oportunidad para descubrir los nuevos productos presentados en primicia en Euroluce, una instalación artística de Bennet Pimpinella y momentos de diálogo e inspiración.

Dónde encontrarnos

Nuevas colecciones

En exhibición en 3daysofdesign, el proyecto dedicado al arquetipo de la lámpara de araña reinterpretado en clave contemporánea. Protagonistas de esta exploración formal son ASTERIA, diseñado por Alberto y Francesco Meda, ALLUMETTE y TILIA de Francesca Lanzavecchia, y ÈTOILE, firmado por Dordoni Studio: cuatro visiones que combinan investigación estética, innovación técnica y la poesía de la luz.

Junto a estos, Foscarini continúa la experimentación con materiales con EOLIE, un proyecto pionero que utiliza piedra volcánica reciclada para dar forma a lámparas con un fuerte carácter material, y la nueva versión de APLOMB para pared, que reinterpreta el icónico modelo de cemento con una presencia sobria y esencial.

Eventos para inspirarse

18 – 19 de junio | 16:30–17:30
Aperitivo con el artista
Descubre el mundo visual de Bennet Pimpinella, autor de la instalación de video que fusiona película analógica rayada con la luz de Foscarini, creando una experiencia inmersiva suspendida entre lo digital y lo físico.

20 de junio | 10:30–11:30
The Art of Enlightenment
Una charla matutina dedicada a reinterpretar un clásico atemporal: la lámpara de araña. Con Matteo Urbinati (Coordinador de Diseño y Director de Marketing en Foscarini) y Bruun Rasmussen, para reflexionar sobre cómo la luz puede evolucionar entre memoria e innovación.

REFLECTIONS by Foscarini
at Alice Folker Gallery

Esplanaden 14
Copenhagen – Denmark
18–20 JUNE 2025
H.10–18

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Entre la naturaleza y el sueño: los paisajes de papel y luz de Helen Musselwhite para Foscarini

valeria — Thu, 22 May 2025 09:25:00 +0000

El universo artístico de Helen Musselwhite se compone de recortes de papel, pliegues y sombras que cuentan la maravilla del mundo natural. Para What’s in a Lamp?, la artista reinterpreta algunas lámparas de Foscarini, transformándolas en paisajes oníricos de papel. Un delicado diálogo entre luz, naturaleza y artesanía, que revela la poesía oculta en los objetos cotidianos.

Descubre más sobre “What’s in a lamp?”

En su estudio en Manchester, a las puertas del campo inglés, Helen Musselwhite da forma a paisajes encantados recortando y superponiendo trozos de papel con una destreza que combina artesanía, visión artística e innovación. Su arte explora la belleza de la naturaleza con una atención meticulosa al detalle: desde pequeños animales hasta paisajes mágicos, cada elemento está construido con precisión y poesía, y un material tan simple como el papel genera escenarios narrativos cargados de sugerencia.

Para el proyecto What’s in a Lamp? de Foscarini, la artista británica ha creado una serie de obras que reinterpretan algunas lámparas de Foscarini, seleccionadas entre aquellas cuyo diseño o nombre evocan elementos del mundo natural.

Mediante su inconfundible técnica de layering — una construcción minuciosa, capa por capa, con papeles de diferentes pesos y colores — cada lámpara está enmarcada en un relato tridimensional que se desarrolla a partir de su forma, evocando emociones y visiones. En estas composiciones, la luz no es solo un sujeto: es una materia viva que dialoga con el papel, modelando las escenas, generando sombras, profundidad y ritmo. El resultado son obras tan delicadas como complejas, capaces de transportarnos a una dimensión suspendida entre el sueño y la realidad, donde cada lámpara se convierte en una puerta de acceso a un mundo por explorar.

“Me gusta la idea de que, con el papel, pueda crear cualquier cosa que mi creatividad desee. Es un material sencillo, pero las posibilidades son infinitas. El papel y la luz se convierten en materiales que moldeo: a través de la estratificación y el juego de luces y sombras puedo dar profundidad, sugerir movimiento y contar historias que cobran vida bajo la mirada de quien observa.”

HELEN MUSSELWHITE
/ ARTISTA

Descubre el universo imaginativo de Helen Musselwhite: lee la entrevista completa para conocer más a fondo su visión creativa. Sigue en Instagram el proyecto What’s in a Lamp? y déjate inspirar por las próximas obras.

Fregio

Nile

Cuéntanos un poco sobre ti y tu trayectoria. ¿Hubo algún momento o experiencia que te impulsó a seguir una carrera en el arte?

Vengo de una familia de artistas y creativos aficionados. Desde pequeña, estuve rodeada de ejemplos de creatividad: mi abuelo pintaba con óleos mientras escuchaba música clásica, mi padre reparaba todo tipo de cosas, desde juguetes hasta tractores, y mi madre, que fue la principal fuente de inspiración para mis intereses creativos, experimentaba continuamente con nuevas actividades artísticas y me animaba a hacer lo mismo. La influencia de este espíritu está presente en todo lo que hago, y por eso estoy muy agradecida.

¿Cómo describirías tu estilo?

Mi estilo es gráfico, colorido e intrincado. Se basa mucho en la artesanía, el proceso y el detalle. En el pasado, busqué la perfección, pero últimamente estoy tratando de aceptar las imperfecciones que inevitablemente surgen de mi trabajo manual, un poco en el sentido del Wabi Sabi. Creo que también es una reacción a la IA.

¿Qué te atrajo del papel como material principal? ¿Y qué te sigue fascinando de sus infinitas posibilidades?

Comencé a usar el papel porque es un material sencillo, accesible y muy versátil. Las primeras obras eran todas blancas, y me gustaba la idea de que, a pesar de añadir complejidad y detalle, mantenían una calidad tranquila y minimalista, porque era blanco sobre blanco. ¡Pero pronto llegó el color! Los motivos iniciales que me impulsaron a elegir el papel siguen fascinándome hoy: me encanta que una simple hoja pueda transformarse en cualquier cosa que mi creatividad desee.

Tus obras tridimensionales de papel son reconocibles por su complejidad, el uso de colores vibrantes y una fuerte componente narrativa. ¿Cómo llegaste a desarrollar este estilo tan distintivo?

Mi trabajo se sitúa entre el 2D y el 3D; la mejor manera de describirlo es 2.5D. A veces mi trabajo se vuelve completamente tridimensional, pero me gusta estar en esa zona intermedia. Empecé a usar el papel y la técnica del layering porque no me sentía segura trabajando en el tradicional 2D. Además, como no aprendí a ilustrar digitalmente, sentía la necesidad de añadir algo original, algo que me diferenciara.

En los últimos años, me he centrado mucho en el aspecto narrativo de mi trabajo, a menudo inspirado por recuerdos de la infancia: la alegría y el asombro que sentía al visitar pueblos en miniatura, al crear jardines en las tapas de cajas de galletas y, en particular, algunas imágenes hawaianas que pertenecían a un tío, hechas de capas de papel, corteza y ramitas. ¡Realmente quería entrar en esos mundos, encogerme y caminar por ellos!

¿Cómo encaja esta colaboración para el proyecto What’s in a Lamp? en tu enfoque artístico?

Estuve muy feliz de contribuir a What’s in a Lamp?. Mi interés por la creatividad también se extiende al diseño de interiores y de productos, y Foscarini es una marca que sigo con interés por su innovación, distintividad y artesanía. Todos estos elementos son lo que admiro y trato de reproducir en mi trabajo.

¿Cuál es tu proceso creativo cuando trabajas en tus obras? ¿Tienes rituales o hábitos particulares que sigues para estimular tu visión artística?

Mi proceso creativo es principalmente analógico. Comienza con anotaciones y bocetos rápidos que luego agrando con una fotocopiadora y perfecciono al decidir las capas y los detalles. Añadir color a mis bocetos con marcadores es una parte del proceso que adoro y que hago desde que era niña, aunque entonces usaba marcadores sencillos y no los caros de ahora.

Luego pasa a la fase de realización: las capas y los elementos se trazan sobre el papel, se recortan y ensamblan. La última fase es la fotografía, donde me adentro en el mundo digital, ya sea sola o, preferiblemente, con un fotógrafo profesional. Me gustaría que mi proceso fuera más ordenado, pero mi estudio, lamentablemente, siempre se convierte en un desastre, por lo que después de cada proyecto hago una buena limpieza para prepararme para empezar de nuevo. Otra parte importante de mi día es dar un paseo. Es algo que hacía con nuestro Labrador Earl (RIP), y que sigo haciendo. Paso muchas horas sentada haciendo acciones repetitivas, así que siento la necesidad de una pausa, tanto para el cuerpo como para la mente. También espero tener pronto un nuevo amigo de cuatro patas con quien compartir los paseos…

¿Nos puedes contar cuál es el concepto central o la inspiración detrás de la serie What’s in a Lamp??

La inspiración detrás de la serie What’s in a Lamp? proviene de la idea de los diseñadores o de los nombres de las lámparas que elegí. El hilo conductor que une las diversas obras son las siluetas que funcionan como un marco, a través del cual se revelan capas y detalles en su interior. Este enfoque funcionó bien en este proyecto para definir la forma y el contorno de las lámparas y poner de relieve las historias y los conceptos de diseño dentro de las propias formas.

La naturaleza juega un papel central en tu trabajo. ¿Cómo se ha manifestado esta conexión en esta serie? ¿Hubo alguna emoción o historia en particular que quisieras transmitir?

Algunas de las lámparas que elegí para representar están conectadas con la naturaleza, tanto en el nombre como en el diseño. Por esta razón, fueron una fuente natural de inspiración.

Gregg

¿Tienes una obra favorita en esta serie? ¿Qué la hace especial?

Birdie y Gregg fueron las primeras que elegí. Me gustaba la idea de que iluminaran un momento fugaz: un pájaro volando y criaturas nocturnas que pasan por la luz que proyectan.

¿Qué significa para ti la creatividad?

Para mí, la creatividad significa estar inspirado para pensar, hacer o crear algo. Es algo fugaz, que a veces es difícil de capturar y definir, pero que siempre está a nuestro alrededor.

Descubre más sobre la colaboración con Helen Musselwhite y la serie completa en el canal de Instagram @foscarinilamps, y explora todas las obras del proyecto What’s in a Lamp?, donde artistas internacionales están invitados a interpretar la luz y las lámparas Foscarini.

Visita @foscarinilamps en Instagram

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Foscarini en la Milan Design Week 2025

valeria — Mon, 10 Mar 2025 15:41:01 +0000

Doble evento con Foscarini en la Milan Design Week 2025: en Euroluce en Fiera Milano y en nuestro showroom Spazio Monforte.

Del 8 al 13 de abril de 2025, Foscarini regresa a la Milan Design Week con una presencia doble en Euroluce en Fiera Milano Rho (PABELLÓN 4, STAND C03 – C05) y en el Fuorisalone en nuestro showroom Spazio Monforte. Dos experiencias complementarias, comisariadas por Ferruccio Laviani, que exploran la innovación en iluminación de diferentes maneras a través de instalaciones creativas y nuevos diseños de lámparas, resultado de colaboraciones con varios diseñadores: algunos ya parte de nuestro recorrido, y otros trabajando con Foscarini por primera vez.

Nuestro showroom Spazio Monforte también albergará la instalación “CAOS PERFETTO – Scratched Stories of Light” del artista Bennet Pimpinella, junto con una exposición dedicada al proyecto editorial “What’s in a lamp?”. Esta iniciativa invita a artistas internacionales y creadores de contenido a reinterpretar, a través de sus estilos únicos, los pensamientos, sensaciones y emociones evocadas por las lámparas de Foscarini.

Regístrate aquí para visitar CAOS PERFETTO – Scratched Stories of Light, la exposición “What’s in a lamp?” y descubrir en primicia nuestros nuevos proyectos.

Regístrate aquí

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